Amir Haddad reafirma sua vocação popular com espetáculos teatrais

Por Daniel Schenker, Jornal do Brasil

RIO DE JANEIRO - Há continuidade e ruptura no caminho de Amir Haddad. Escola de Molières, novo espetáculo que tem estreia marcada para sexta-feira no Espaço Tom Jobim, no Jardim Botânico, confirma seu vínculo com a dramaturgia de Jean-Baptiste Poquelin, mais conhecido como Molière.

Mesmo trabalhando em espaço fechado (mas o mais aberto entre eles, faz questão de frisar o encenador), Haddad permanece sintonizado com o teatro de rua. Foi no momento em que decidiu sair para a rua que o diretor – testemunha da fundação do Teatro Oficina, parceiro artístico de Sérgio Britto no Teatro Senac e figura central em grupos como A Comunidade e Tá na Rua, deu uma guinada em sua carreira, até hoje lembrada por encenações emblemáticas, como Tango e Somma.

Por que o senhor decidiu retomar a dramaturgia de Molière nesse momento?

Quando decidi sair da sala fechada rumo aos espaços abertos procurei recuperar o fio da história. Fui atrás do teatro dos séculos 16 e 17. O improviso de Versalhes não é simplesmente sobre burgueses e marqueses corruptos, sobre a hipocrisia da corte. É um texto sobre teatro, contemporâneo para nós. E ancestral. Queria, através desse trabalho, revisitar o meu passado. Percebo uma identificação entre a minha história e a de Molière. Ele abandonou um tipo de teatro e travou contato com atores da commedia dell'arte, com bufões. Andou pela periferia. Como Molière, Federico García Lorca também trilhou um percurso parecido com o meu: fez teatro em espaços abertos, buscou inspiração na rica cultura de seu povo.

Como foi feita a costura dramatúrgica, a mescla de trechos de várias das peças de Molière?

Fomos nos orientando pelos temas. Abordamos tópicos como a questão conjugal e a oposição entre erudito e popular. O saber erudito traz arrogância e poder. E a hipocrisia gera adeptos no mundo inteiro.

Na sua opinião, o teatro popular está irremediavelmente ligado aos séculos 16 e 17?

À medida que o tempo passou, a burguesia construiu suas salas de espetáculos. Goldoni, no século 18, estabeleceu novas regras: a plateia não gostaria de ser incomodada, a quarta parede seria desejável. Mirandolina é considerada a primeira peça do realismo burguês. Antes, o teatro não servia a uma única classe social. Os atores representavam para os reis e para o povo. A plateia era heterogênea. Molière utilizava uma linguagem popular. Em que medida falavam mal das peças dele porque tinham preconceito em relação ao povo? Mas o popular é permanente, eterno. O que muda é o ideológico. O teatro é eternamente velho e eternamente novo.

Como o senhor explica o fato de um autor popular como Molière pertencer ao chamado período do classicismo francês, juntamente a dramaturgos trágicos como Racine e Corneille, pautados pelo respeito às regras formais?

Ele não era afinado com as regras classicistas. Escrevia tragédias, sob a forma de comédias, como Don Juan e O misantropo.

O senhor destaca uma importante transição na sua carreira: o momento em que aderiu aos espaços abertos. Se por um lado a sua trajetória pode ser encarada através das rupturas, por outro também pode ser analisada como decorrente de uma continuidade, de uma coerência?

Há uma continuidade. Busco o fluxo permanente do teatro dentro do ser humano. Sempre pergunto: o que é teatro? De onde vem? Acho que, ao longo do tempo, recuperei a possibilidade da ancestralidade no teatro.

O senhor localizaria a principal transição na sua carreira no momento em que esteve à frente do grupo A Comunidade?

De certo modo. Foi quando migrei para outro espaço, o do Museu de Arte Moderna. Naquela época, muita gente queria fazer teatro em espaços não convencionais. A contracultura avançava. A cena italiana estava abalada. No final dos anos 70, o teatro voltou a ficar careta. Chegaram a botar tela na frente dos atores.

Nos espetáculos que vem realizando no Espaço Tom Jobim, o senhor dirige os atores como se estivessem na rua?

Sim, ainda que seja, evidentemente, diferente. É o espetáculo que organiza o mundo. Há uma arquitetura no Espaço Tom Jobim que envolve o espectador. É onde exerço de maneira mais livre as minhas conquistas. Das áreas fechadas da cidade, é a mais aberta. Lá, a natureza entra.

Antes do período de ensaios de 'Escola de Molières', o senhor realizou oficinas, como em 'Bodas de sangue'. Foram processos semelhantes?

Foram similares. Ao mesmo tempo, Escola de Molières representou um avanço. Tivemos quatro meses de oficinas. Delas, um grupo de atores foi selecionado. A partir daí, mergulhamos em Molière. Mais do que o elenco de Bodas de sangue, aqui os atores já conheciam minha maneira de trabalhar.

Coletivo de 28 atores em cena

Escola de Molières é composto pela apresentação integral de O improviso de Versalhes – peça escrita em 1663, centrada num grupo de artistas que se vê diante da tarefa de apresentar um trabalho que ainda não está pronto ao rei Luís 16 – e por trechos de vários textos de Molière (Escola de mulheres, Don Juan, O misantropo, Médico à força, As eruditas, O avarento e Doente imaginário), além de cartas e documentos de época. Influência decisiva nas carreiras de Renata Sorrah, Jacqueline Laurence e Pedro Cardoso, Amir Haddad conduz agora um coletivo de 28 atores que conta com as presenças de Tereza Seiblitz, Ângela Rebello, Catarina Abdalla, Regina Gutman, Saulo Arcoverde, Caetano O'Maihlan e Léo Rosa, todos engajados num processo de oito meses (quatro de oficinas, quatro de ensaios).

O espetáculo, que estreia nesta sexta-feira no Teatro Tom Jobim, é a segunda materialização cênica de um projeto de pesquisa e experimentação desenvolvido desde julho de 2008 pelo Espaço Tom Jobim em parceria com o diretor Amir Haddad – a primeira foi Bodas de sangue, de Garcia Lorca, encenada no início do ano passado. Cerca de 150 atores já passaram pelas oficinas, dentre eles Tonico Pereira, Letícia Iris Bustamante e Virgínia Cavendish.

>> Em cartaz

Escola de Molières

Teatro do espaço tom Jobim, Rua Jardim Botânico, 1008 (2274-7012). 6ª, às 21h, Sab. e dom. às 20h30. R$ 50. Estreia sexta-feira.

FONTE: http://jbonline.terra.com.br/pextra/2010/07/27/e270720804.asp

Bortolotto encena a melancolia da meia-idade em espetáculo

MILENA EMILIÃO
da Reportagem Local

O Espaço Parlapatões (centro de São Paulo) recebe, desde sábado (24), o novo espetáculo de Mario Bortolotto, "Música para Ninar Dinossauros", no qual ele escreve, dirige e atua.

O trabalho nasceu da vontade de subir ao palco com dois amigos, Paulo de Tharso e Lourenço Mutarelli. Para eles, criou a história de três homens à beira dos 50 anos incapazes e ter relações convencionais com as mulheres e que, por isso, estão sempre às voltas com prostitutas. Num outro plano, outros três atores representam Igor, Treta e Zed, 20 anos mais jovens.

O espetáculo retrata uma geração que nasceu tarde para participar da revolução sexual dos anos 1960 e que, ao mesmo tempo, já estava velha para ir às ruas com os "caras-pintadas" nos anos 1990.

Apesar disso, não é uma peça sobre a crise da meia-idade, explica Bortolotto. "Eles são três caras que já tinham consciência do buraco em que estavam, estão calmos em relação ao futuro."

"Música... " foi concluída após um assalto em que Bortolotto levou três tiros, em dezembro de 2009. "O incidente acrescentou uma dose a mais de melancolia."

A montagem fica em cartaz até 23 de maio.

FONTE: http://guia.uol.com.br/teatro/ult10053u725115.shtml

O “Oceano” dos Parlapatões e Pia Fraus

Por Clarice Monteiro
Repórter
Fonte: Jornal CORREIO de Uberlândia


O espetáculo “Oceano”, que estreia amanhã em Uberlândia e segue em curta temporada até domingo, promete um mergulho do público em dois universos misteriosos e encantadores: o mundo submarino, com seres e ambientes aquáticos, e o mundo do circo, com números inovadores e uma proposta radical de apresentação.

Conduzido pela trupe do Circo Roda Brasil, o espetáculo idealizado por Hugo Possolo se desenrola com a história de um menino que descobre o fundo do mar ao ser engolido pelo ralo de sua banheira na tentativa de recuperar o seu patinho de borracha. “O show tem um alcance bem lúdico. Fazemos a fusão de vários elementos, tradicionais e contemporâneos, para agradar a todos os públicos de todas as idades”, disse a produtora Alessandra Brantes.

Em "Oceano", o grupo dá continuidade à proposta de renovação da arte circense brasileira, iniciada em 2006, com a formação do Circo Roda Brasil e de seu primeiro espetáculo "Stapafúrdyo, apresentado em mais de 15 cidades brasileiras.

Aos números com palhaços, trapezistas e malabaristas são adicionados novos elementos como rampas de patinação, teatros de bonecos, dança, efeitos especiais, projeções, pernas de pau com jumpers (molas), entre outros. O cenário criado por Luís Frúgoli, com diversos tons de azul, tecidos e as mais diversas criaturas do mar, e a trilha de autoria de Branco Mello, do grupo Titãs, em parceria com Emerson Villani, interagem com as apresentações no picadeiro e envolvem o público na magia da história.

“O circo vinha perdendo seu papel como uma forma de arte. Então o nosso marco é promover a mistura das linguagens da dança, música, teatro e novas tecnologias”, afirmou Brantes.

Segundo a produtora, em Uberlândia, o grupo está experimentando também a apresentação em local diferente. “Geralmente apresentamos sob a lona do circo, de forma bem tradicional. Aqui, por ser uma turnê curta, vamos testar a casa de show. O intuito é criar relação com o público. Queremos que sintam o espetáculo, que se encantem, saiam felizes e voltem.” O local abriga plateia de 800 pessoas.

Disciplina e dedicação para o elenco

Pelo formato diferente da apresentação, em que os números contam uma história, os artistas têm uma rotina de preparo mais exigente que em circos tradicionais. O elenco desempenha vários papéis, por isso, segundo a produtora Alessandra Brantes, os artistas fazem semanalmente aulas de dança e academia, entre outros treinos. “Há um cuidado constante com a alimentação e com o condicionamento da equipe, mas eles são até compulsivos com os ensaios”, disse.

Uma das artistas da trupe, composta de 50 integrantes, sendo 28 do espetáculo “Oceano”, é a acrobata aérea Jassy Brischi, de 25 anos. Há seis ela trabalho com circo. No grupo Circo Roda Brasil, Jassy está presente desde o início do espetáculo “Oceano”, há dois anos. “O bom de trabalhar em espetáculos é que tenho possibilidade de desenvolver o trabalho e ir melhorando a cada apresentação. Mas é uma batalha, porque fazemos musculação e exercícios para manter o alongamento. Tento também conciliar a rotina de viagens com meu namorado, que também trabalha em circo, além das aulas da faculdade”, disse. Jassy, que sempre foi apaixonada pelo circo e está terminando o curso de Artes Visuais. Ela afirma que, mesmo ao se formar, não pretende trocar de profissão. “No circo, todas as artes se juntam.”

Arte circense ganhou espaço

O Circo Roda Brasil, fruto da união dos grupos Parlapatões e Pia Fraus, apresenta-se em inúmeras cidades com o intuito de pulverizar o trabalho circense e posicioná-lo em destaque na arte. Além de investir em pesquisas cênicas e na manutenção e renovação dos repertórios, o grupo integra outras companhias para fortalecer o movimento circense. De acordo com a produtora Alessandra Brantes, é preciso valorizar o circo. “Houve um declínio do circo brasileiro nos últimos anos, mas de 2004 para cá, muita coisa melhorou. Com a criação da coordenação de circo pelo governo, estão sendo elaboradas leis que favorecem o circo e os artistas, com enfoque para questões que antes não eram levantadas, como condições de aposentadoria. Tudo isso ajuda o circo a retomar seu lugar no meio da massa cultural”, afirmou.

O futuro é otimista para o grupo, que já prepara seu terceiro espetáculo (ainda sem nome), com previsão de estreia em setembro deste ano no Rio de Janeiro.

Circo Roda Brasil - "Oceano"
Quando: 23/4 – sexta-feira: 21h; 24/4 – sábado: 16h, 18h e 21h; 25/4 – domingo: 16h e 19h
Local: Acrópole - rua José Resende, 4090 - Custódio Pereira
Quanto: R$ 30 (inteira) R$ 15 (estudante) - A bilheteria na Acrópole abre duas horas antes de cada sessão
Contato para informações: 9226-3424

Chico Buarque Não Gosta de "Roda Viva"...

...mas os diretores de teatro gostam. O que gera um impasse: como convencer o autor a liberar os direitos para montagens?

Por Mariana Delfini

O ator Rodrigo Santiago, caracterizado como Menino Jesus de Praga, é erguido pelo elenco da primeira montagem de Roda Viva. A encenação causou polêmica, entre outras coisas, pelas provocações religiosas.


Em 2005, a diretora teatral Patrícia Zampiroli estava concluindo o curso de Artes Cênicas na Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro, a Unirio, e optou por dirigir a peça Roda Viva, de Chico Buarque, em seu trabalho de conclusão de curso. Foi um sucesso: o espetáculo lotou as sessões na universidade durante os dois meses em que ficou em cartaz. Patrícia, assim, foi convidada a levar o trabalho para o circuito profissional, no Teatro Glória, no Rio de Janeiro. Começaram aí suas tribulações. Para estrear a peça comercialmente, ela precisaria da autorização do autor. Entrou em contato com seu escritório. Chico Buarque estava em Paris, mas sua equipe informou Patrícia que, como a peça estava montada, era só esperar que ele provavelmente liberaria. No retorno, no entanto, Chico não autorizou. Patrícia insistiu, o que só aumentou a animosidade: "Chico ficou chateado, porque a gente insistiu muito, com abaixo-assinados, indo à TV. Disse que liberaria outras peças, se nós quiséssemos, mas não Roda Viva".

Neste ano, outro diretor deve percorrer o mesmo calvário. O paulista Heron Coelho, que já montou outras duas peças de Chico Buarque - Gota D'Água, em 2006, e Calabar, em 2008 - quer agora levar Roda Viva aos palcos. Para a montagem imaginada para este ano, já tem elenco na cabeça e o plano de construí-la na mesma linha de seus trabalhos anteriores: no formato "breviário", usando teatro de arena e música ao vivo. "Eu vou sofrer. Vou ter que vender o carro e o piano, porque preciso de dinheiro para alugar lugar para ensaiar, comprar equipamento, pagar os atores", diz ele. Sua estratégia é montar o espetáculo por conta própria, gravar em DVD e enviar uma cópia a Chico Buarque. Acha que, diante do esforço do diretor e da trupe, o coração do autor talvez amoleça. Mas Heron avisa: "Não vou insistir. Se ele não deixar, acato de primeira". As perspectivas não parecem muito boas. Contatado por BRAVO! para comentar o assunto, Chico Buarque não respondeu, mas sua assessoria de imprensa disse que o autor não pretende afrouxar o veto: "Ele considera que o texto não merece ser remontado por suas deficiências dramáticas".

Roda Viva é um espetáculo que entrou para a história do teatro brasileiro mais pelo alvoroço que provocou, na época da estreia, do que pelo texto em si. Em 1967, o diretor José Celso Martinez Corrêa havia revolucionado a cena nacional com O Rei da Vela, peça do modernista Oswald de Andrade escrita em 1933 e nunca levada ao palco antes. A montagem carregava nas tintas esquerdistas em voga na época. Mas não foi por isso que entrou para a história, e sim pelo virtuosismo técnico do diretor - que fez seus atores satirizarem, no palco, diversas linguagens cênicas, da revista à ópera. Depois de O Rei da Vela, todo mundo queria saber qual seria o próximo passo de Zé Celso. E ele retirou da manga um curinga inesperado, um texto escrito por um jovem titã da canção popular que satirizava justamente a fabricação de ídolos musicais: Chico Buarque.

A peça se tornou um "hype" a partir dos ensaios no Rio de Janeiro, que duraram apenas quinze dias e viraram parada obrigatória para as celebridades da época. Entre elas, o roqueiro Mick Jagger, que estava de passagem pelo Rio de Janeiro antes de se refestelar no sol baiano de Itapuã com sua namorada Marianne Faithfull, e de Miriam Makeba, a cantora sul-africana que apresentava seu sucesso Pata Pata em um especial da TV Record na mesma época. "O público ia ver, os ensaios foram a sensação do verão", lembra Zé Celso. A estreia aconteceu no dia 15 de janeiro, no Teatro Princesa Isabel. "Foi um sucesso estrondoso", diz o diretor.

Roda Viva tinha vários dos elementos que mais tarde se tornariam típicos do estilo de encenação de Zé Celso. O cenário do artista plástico Flávio Império colocava o teatro dentro de um estúdio de televisão, decorado com um São Jorge gigantesco e uma enorme réplica de uma garrafa de Coca-Cola. A atriz Zezé Motta, que fazia sua estreia nos palcos depois de um curso na escola Tablado ("eu era tímida, insegura e virgem", lembra ela), usava na primeira cena uma malha cor da pele, que trazia o logotipo do inseticida Detefon. Ela vinha caminhando desde o fundo do palco junto com atores que representavam outros produtos, falando "Compre! Compre!", em volume cada vez mais alto. Ao chegar na primeira fila, os atores agarravam os espectadores pelos ombros e os sacudiam. Esse recurso de fazer a plateia participar à força- que mais tarde se tornaria uma assinatura de Zé Celso - deu o que falar. É mencionado em várias das reportagens escritas na época.

As mesmas reportagens comentam - abstendo-se às vezes de descrever, por pudor - as cenas de alusão sexual não tão velada, algumas delas blasfemas. Numa delas, a atriz Marieta Severo representava Nossa Senhora de biquíni. Ela rebolava diante de uma câmera de televisão, cuja lente se expandia e contraía. Em outro trecho, um fígado cru de boi era despedaçado e devorado pelo coro, deixando gotas de sangue respingarem na roupa dos espectadores. Alguns iam embora no meio da peça. Outros gostavam, aplaudiam, e até voltavam - mas tomavam o cuidado de mudar de cadeira caso decidissem passar pela experiência novamente.

"TODOS NÓS SABEMOS QUE EXISTE O COITO"

Pouco a pouco, em meio ao grande sucesso, a peça passou a despertar reações adversas. "Todos nós sabemos que existe o coito. Não é necessário repeti-lo com tantos pormenores e realismo num palco", protestou a deputada Conceição da Costa Neves, vice-presidente da Assembleia Legislativa de São Paulo, que integrava o time dos opositores. O mal-estar ecoou nos meios políticos. "É uma verdadeira afronta à nossa sociedade e à nossa família", bradou o deputado paulista Wadih Helu, um baluarte conservador que mais tarde faria fama como cartola do Corinthians. "Isso não pode em nenhuma parte do mundo, nem na selva africana, ser chamado de arte. Aquilo é ofensa, aquilo é despudor, aquilo é destruir uma família na sua moral, amolecer uma nação. Aquilo que lá está é um bordel, e não um palco", discursou na Assembleia Legislativa de São Paulo o deputado Aurélio Campos, que havia sido ator de teatro no passado.

As reações contra a peça culminariam em dois episódios de puro vandalismo. Depois de meses de sucesso no Rio de Janeiro, o espetáculo estreou em São Paulo em maio, no teatro Ruth Escobar. No dia 18 de julho, um grupo de baderneiros de direita que se auto-denominava CCC - Comando de Caça aos Comunistas - invadiu a sala ao término do espetáculo armado com cassetetes, facas, soco-inglês e bombas de gás lacrimogêneo, agrendindo os atores e obrigando-os a fugir. O outro episódio de violência ocorreria em outubro, na escala seguinte da turnê, em Porto Alegre. Foi logo no dia 4, o seguinte à estreia da peça. As paredes do teatro apareceram pichadas mensagens como "Fora, agitadores", "Abaixo a pornografia" e "Comunistas". Decidido a ir embora, o elenco foi surpreendido por homens armados, e o músico Zelão e a atriz Beth Gasper foram sequestrados e abandonados em um matagal. No dia 5, os atores embarcaram em ônibus de volta para São Paulo. A peça foi censurada logo depois, e nunca mais seria encenada no circuito profissional.

Roda Viva foi vítima de um espírito de época. Uma época estranha, em que direita e esquerda ainda não haviam conquistado o civilizado espaço da democracia para esgrimir suas teses - algo que felizmente acontece hoje - e se digladiavam de maneira tosca, apelando para o recurso dos pouco inteligentes: a violência. De um lado, o Partido Comunista do Brasil e outras forças autoritárias de esquerda pregavam e praticavam a luta armada — a qual não foi uma reação contra a ditadura, pois começou a ser preparada antes de 1964, ainda em tempos de democracia. De outro, uma ditadura que, como todo regime autoritário, perseguia os opositores com violência - e indiretamente encorajava grupelhos como o CCC, que barbarizavam por conta própria. Foi um tempo que não deixou saudade, em que guerreávamos uns contra os outros, como se fôssemos talibãs. Nesse caldo de intolerância, o mundo artístico, que precisa de liberdade e espaço de debate civilizado para florescer, sempre acaba sofrendo. Aconteceu no Brasil dos anos 60, como no Chile de Pinochet e na Cuba de Fidel, mais ou menos na mesma época .

Para além das provocações e da criatividade exuberante de Zé Celso, o texto tem um enredo simples e carrega algo da ingenuidade política da época. Seu protagonista é o fictício Benedito Silva, com sua trajetória ascendente no mundo do show business. Benedito conta com a ajuda de um empresário, Anjo, que emprega fórmulas mirabolantes. Ele muda o nome do cantor para Ben Silver, e mais tarde para Benedito Lampião - embalagem com a qual se tornaria um produto de exportação. Chega um momento em que o protagonista é levado a se suicidar para se tornar mártir do povo. Resignado com seu destino, depois das devidas despedidas, atira-se em frente a um carro. Rei morto, rainha posta: sua mulher Juliana é quem assume o papel de ídolo, alimentando a roda-viva do que nos anos 60 se costumava chamar de "indústria cultural".

BAIXO CALÃO NO PASQUIM

A resistência de Chico Buarque em liberar Roda Viva para encenação provavelmente não se deve apenas ao fato de o texto ter elementos datados. Existem também reais deficiências de construção dramatúrgica. Para o crítico e pesquisador de teatro Kil Abreu, é possível que Chico Buarque não tolere novas montagens de sua primeira peça justamente por considerá-la uma obra juvenil. "O texto tenta equilibrar a individualidade, na questão do artista que precisa se rebatizar para ser assimilado, e o social, abordando os temas da época de crítica ao consumismo e à televisão", diz ele. "Mas esses temas não são tão bem trabalhados como em Gota D'Água, e a estrutura fica desigual", completa. Segundo Kil, os personagens são também carentes de complexidade. Chico Buarque tem opinião parecida há muito tempo. Em entrevista dada ao jornal carioca Pasquim, em 1975, ele disparou, sem policiar o calão: "Roda Viva, antes que você fale, eu digo: 'É uma merda'".

Os diretores Zé Celso, Heron Coelho e Patrícia Zampiroli não concordam. Eles acham que Roda Viva ainda tem o que dizer nos tempos atuais e também acreditam na qualidade do texto. Existe no Brasil jurisprudência de peça rejeitada, nesse nível, pelo próprio autor? Há casos de excesso de zelo, mas não radicais a esse ponto. O crítico Kil Abreu lembra-se que o paraibano Ariano Suassuna faz uma supervisão rigorosa de seus textos, acompanhando de perto cada montagem. A jornalista Gabriela Mellão se recorda apenas de autores que reescreveram suas peças de juventude, como Plínio Marcos. O veto depois de uma primeira montagem, ao que parece, é situação inédita. E os apelos continuam: "Eu acho que o Chico devia fazer um exame de percepção. Ele, que lutou contra a censura, está censurando sua própria peça. Libera, Chico!", diz Zé Celso, que pede que sua fala seja endereçada como um pedido ao autor.

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Mariana Delfini é jornalista

FONTE: Revista BRAVO! Março/2010 - Edição Online
http://bravonline.abril.com.br/conteudo/teatroedanca/roda-viva-chico-buarque-nao-gosta-roda-viva-538137.shtml

Ói Nóis Aqui Traveiz chega a Uberlândia

A Trupe de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz presenteia Uberlândia com o espetáculo "O Amargo Santo da Purificação – Uma Visão Alegórica e Barroca da Vida, Paixão e Morte do Revolucionário Carlos Marighella", hoje às 16h na Praça Clarimundo Carneiro. Tive a oportunidade de assistir este mesmo espetáculo no ano passado na Praça da Sé em São Paulo e recomendo, é um teatro de rua feito com muitas cores, símbolos, alegorias e principalmente um excelente trabalho com máscaras. Vale a pena conferir.
Na sequência de cenas da peça, o público assiste a diversas passagens da trajetória de Marighella: origens na Bahia, juventude, poesia, ditadura do Estado Novo, resistência, prisão, democracia, constituinte, clandestinidade, ditadura militar, luta armada, morte em emboscada. "É uma história de coragem e ousadia, perseverança e firmeza em todas as convicções", diz a sinopse. "Marighella não abdicou ao direito de sonhar com um mundo livre de todas as opressões. Viveu, lutou e morreu por esse sonho."
A peça parte de poemas escritos por Marighella que, transformados em canções, são o fio condutor da narrativa. Com o uso de máscaras e de elementos da cultura afro-brasileira, a encenação cria uma fusão do ritual com o teatro dança.

Cia. do Latão faz "experiência pedagógica" com público em ensaio aberto

Por GUSTAVO FIORATTI
da Folha de S.Paulo

A cena que estava em curso no palco do Sesc Santana mostrava uma viúva aflita, sem ter onde enterrar o marido morto. Um acordeão acompanhava com melodia triste, até que o diretor do grupo Latão, Sérgio de Carvalho, interrompeu. "Joga mais luz aqui, por favor, quero menos clima, ok?" Os atores congelaram por um momento, esperaram a mudança na iluminação, depois deram continuidade ao espetáculo inacabado, que a companhia deve estrear apenas em agosto.
A cena que estava em curso no palco do Sesc Santana mostrava uma viúva aflita, sem ter onde enterrar o marido morto. Um acordeão acompanhava com melodia triste, até que o diretor do grupo Latão, Sérgio de Carvalho, interrompeu. "Joga mais luz aqui, por favor, quero menos clima, ok?" Os atores congelaram por um momento, esperaram a mudança na iluminação, depois deram continuidade ao espetáculo inacabado, que a companhia deve estrear apenas em agosto.
É a primeira vez que o Latão experimenta um modelo já usado, por exemplo, por Zé Celso no Oficina. "Ópera dos Vivos" é o nome que a montagem, dividida em quatro pequenos espetáculos articulados, deve ganhar quando pronta.
Inclusive o texto da peça está apenas rascunhado, com base em uma pesquisa sobre a produção artística dos anos 60.

Imagem: Zanone Fraissat/Folha Imagem
Atores da Cia. do Latão em uma passagem de cena no ensaio do novo espetáculo do grupo, "Ópera dos Vivos"

Quatro histórias

Quatro momentos são reconhecidos pelo trabalho: os anos que antecedem o golpe de 1964, a produção artística que prossegue até 68, o retrocesso provocado pelo AI-5 e os anos que se estendem década de 1970 adentro, com o fortalecimento da indústria cultural.
O tema do endurecimento do regime aparece também sob uma perspectiva econômica, tendo ao fundo um aquecimento global em contraposição à paralisia provocada pelos atos institucionais e pela censura.
"Houve um corte histórico violento na produção artística. Muita gente morreu, muita gente foi exilada, muita gente foi levada para a clandestinidade, e alguns sobreviventes acabaram incorporados pela indústria cultural. Não é a toa que a geração de esquerda dos dramaturgos do Teatro de Arena foram trabalhar na Rede Globo", diz Carvalho.
A pesquisa traz traços de obras produzidas à época. É possível reconhecer uma espécie de sombra dos filmes de Glauber Rocha, do musical "Roda Viva", de Chico Buarque, e de peças de Oduvaldo Vianna Filho. Tudo redesenhado para evitar a iminência de um anacronismo ideológico e estético.
A polarização política que marcou a década pode ter dado base a "muita coisa ruim", inclusive nos anos posteriores que tentaram retratar o período, diz Carvalho, mas para ele aquela inquietação foi fértil e determinou caminhos futuros.
Uma de suas motivações para escrever "Ópera dos Vivos" foi um depoimento recente de Ferreira Gullar desqualificando sua própria experiência artística no pré-64, "como se ela tivesse sido ingênua politicamente e ruim esteticamente", diz Carvalho. "Como se a inquietação política que alimentava aquela obra antes fosse um limite, que a prendia a uma má qualidade estética. Isso é mentira", protesta o diretor.

ÓPERA DOS VIVOS: ABERTURA DE PROCESSO
Quando: Hoje e amanhã, às 20h; de 7 a 11 de abril, das 15h às 22h
Onde: Sesc Santana
(Av. Luiz Dumont Villares, 579, tel. 2971-8700)
Quanto: Grátis (12 anos)

Fonte: http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u715675.shtml

Palco da latinidade

Por Eduardo Humbertto
Fonte: Jornal CORREIO de Uberlândia - 05/10/2009
Coluna: Opinião do Leitor

De 13 a 20 de setembro Uberlândia foi palco do Festival Latino Americano de Teatro Ruínas Circulares, o primeiro festival internacional de caráter artístico que a cidade já viu, este veio colaborar de certo modo com sua inserção no circuito cultural que se encontra fora dos grandes centros urbanos.
A Universidade Federal de Uberlândia juntamente com o seu curso de teatro obtiveram grandes parcerias, apoios e patrocínios que foram de fundamental importância para que um evento com o porte internacional como este pudesse acontecer. Foi uma soma de esforços que resultou em indeléveis experiências teatrais, tanto para os artistas locais quanto para a comunidade em geral.
Uberlândia foi tomada por uma semana bastante agitada onde houve leituras dramáticas de textos importantes da dramaturgia latina americana, oficinas, mesas redondas e espetáculos oriundos do Equador, Argentina e Cuba, contando também com grupos de São Paulo-SP e dois locais.
Acho interessante termos a real noção do impacto que um evento como este terá no cenário artístico-cultural da cidade e região. É um passo à frente do que as mostras de teatro que acontecessem periodicamente – exemplarmente patrocinadas por este jornal - já conseguiram atingir, Uberlândia é consolidada não na sua importância política e econômica, mas dessa vez na relevância cultural, mostrando que temos um curso superior de teatro leal ao seu dever de levar o teatro sempre para o maior número de pessoas, e que há uma produção local sendo trabalhada e precisa ser mostrada, daí então, entramos na questão do déficit de espaços culturais, um festival latino americano apresentado aqui, traz subliminarmente a mensagem de que isto não pode continuar, e que mais espaços para se fazer cultura devem definitivamente sair do plano das idéias e ter como meta principal a descentralização dos espaços, espalhando para os bairros periféricos dando oportunidade a todos de exercer o seu direito à cultura (“Toda a pessoa tem direito de participar livremente da vida cultural da comunidade, de fruir das artes e de participar do progresso científico e de seus benefícios.” - Declaração Universal dos Direitos Humanos, 1947, Artigo XXVII parágrafo 1). Reconheço que estamos em longo prazo evoluindo neste sentido.
Outro ponto merecedor de nossa reflexão é como nós uberlandenses e uberlandinos, artistas ou não, vemos e nos relacionamos com a nossa própria produção teatral, é a toa que sediamos um festival latino americano? Acho que não. Muitos desconhecem a existência do curso de teatro que há dentro da Universidade, e os alunos que lá se encontram, estão realmente abertos ao que acontece atrás dos muros que os cercam? Este festival além de nos encher os olhos com belíssimos espetáculos e grandes encontros, veio também trazer contribuições transcendentais para se entender esses questionamentos. Vejo claramente o quanto é desonesto comparar coisas que são diferentes em múltiplos motivos, por exemplo, um espetáculo de fora com um concebido aqui, é o mesmo que comparar um cacho de uva Rubi e outro de uva Itália, o que me importa é que seja uva e não a característica dela, e assim vejo o teatro, se é daqui ou de qualquer outro lugar do mundo não me importa, mas sim que seja teatro, quando me disponho a ir a um festival estou aberto e atento ao que está por vir e absorvo o melhor para a minha vida, afinal não deveria ser assim?
É lastimável e até mesmo revoltante perceber como minorias teimam em não ver o melhor de nosso teatro, mostram ter enraizado um pré-conceito tolo de que o que vem de fora é melhor, e não é uma questão de visão crítica, mas sim de uma ignorância cristalizada e desrespeito com o trabalho do outro. Quero e preciso acreditar que quem critica tão ferreamente beirando o esnobismo tanto com o artista em cena quanto com o expectador que o assiste na ocasião, pode fazer bem melhor e que também saibam lidar com pessoas que vão descreditar completamente o seu trabalho, caso contrário a minha decepção será profunda e irreparável.
Quando saio de casa para ir ao teatro, faço isso despretensiosamente, não alimento a ilusão de ver uma obra de arte perfeita, mas se o espetáculo me tocar, mexer com os meus sentimentos aos menos uma vez me transformando em um ser humano melhor – e isso acontece sempre -, já terá valido a pena ter saído de casa, e dizer não ao conforto e comodidade da TV Digital. Deixe o teatro te emocionar, envolver e transformar para melhor. Teatro é ao vivo, vá ver.

Curso de Teatro - UFU está entre os melhores do país.

A relação de Escolas de Teatro com boa qualidade de ensino do site TeatroBrasileiro.com.br é referência para listas de escolas de várias publicações e até de outros sites sobre teatro. Coordenadores e responsáveis de escolas de teatro do Brasil.

MINAS GERAIS - MG

* Palácio da Artes - Cursos Profissionalizantes e Livres - Av. Afonso Pena, 1537 - Centro - fone: (0XX31) 237-7333/ 237-7334. Belo Horizonte, MG.

* Teatro Universitário - Cursos Profissionalizantes e Livres - Rua Carangola, 300 - Funcionários - fone: (0XX31) 342-2626. Belo Horizonte, MG.

* Universidade Federal de Minas Gerais - Bacharelado em interpretação teatral, ou licenciatura - Escola de Belas Artes - Rua Paraíba, 697 - bairro de Funcionários - CEP: 30130-140 - fone: (0XX31) 269-1800 - fax: (0XX31) 269-1818. Belo Horizonte, MG.

* Universidade Federal de Ouro Preto - Licenciatura em Artes Cênicas - Instituto de Filosofia, Artes e Cultura - Rua Coronel Alves, 55 - Centro - CEP: 35400-000 - fone: (0XX31) 559-1732. Ouro Preto, MG.

* Universidade Federal de Uberlândia - Licenciatura em educação artística com habilitação em artes cênicas - Centro de Ciências Humanas e Artes - Av. João Naves de Ávila, 2160 - Campus Santa Mônica - bloco A - salas 42 a 50 - Pavimento Superior - CEP: 38408-100 - fone: (0XX34) 239-4123 - fax: (0XX34) 235-2028 - DEMAC-Departamento de Música e Artes Cênicas - fone: (0XX34) 239-4117/ 239-4214. Uberlândia, MG.

O guarda-roupa levado à cena

Por Eduardo Humbertto
Foto: Lilian Morais

Os atores Tiago Pimentel e Marly Magalhães interpretam vários personagens.

Já parou para pensar o que uma simples peça de roupa pode significar? Status, elegância, estilo, um modo de vida, uma característica pessoal, bom gosto sem contar que diz muito de nós. Mas o que para uma grande parte das pessoas não é motivo para se perder tempo nem muito dinheiro e sim estar bem consigo mesmo, já para outras tantas é sacrifício, gastos astronômicos e até mesmo questão de vida ou morte para se mostrar bem e que seu guarda roupa acompanha as últimas tendências, de um jeito ou de outro todos nós um dia já nos perguntamos: Com que roupa eu vou?

Esta indagação que nos persegue diariamente é o título do espetáculo que a Cia. de Teatro Palma trouxe aos palcos do Teatro Rondon Pacheco com recorde de público nos dias 18 e 19 do mês de julho. Com um humor apurado os atores Tiago Pimentel e Marly Magalhães sob a direção de Aryadne Amâncio, levaram à cena observações e sensações do dia-a-dia no que se refere ao modo de se vestir e como isso interfere na vida do ser humano brincando com o referencial de beleza que todos nós buscamos. Os esquetes foram escritos pelo ator Tiago Pimentel, e juntamente com a atriz Marly Magalhães desenvolveram a cena de forma exagerada permeando por momentos também de reflexões de maneira divertida e muito atual. Foram vários personagens, e claro, cada um com a sua particularidade ao se vestir e lidar com o seu guarda-roupa. A versatilidade dos atores foi um ponto a favor para o sucesso do espetáculo, principalmente por prender a atenção do expectador, e não levá-lo ao riso fácil.

O cenário traz peças de roupas em cabides pendurados e um imenso guarda-roupa no centro mais fundo do palco com quem os personagens travam uma batalha sutil no decorrer do espetáculo. Trás uma sensação de enorme variedade que é o que nos deparamos quando vamos escolher uma roupa, e o quanto às vezes fica difícil escolher um conjunto que cai bem com a ocasião.
A montagem está conectada com a sua temática até mesmo fora dos palcos, o público que compareceu com uma peça de roupa pagou meia-entrada, todo o vestuário arrecadado será entregue a uma instituição beneficente, fazendo do ato de ir ao teatro ser acompanhado de solidariedade.

Os atores são graduandos no Curso de Teatro da Universidade Federal de Uberlândia, é muito gratificante vê-los participando deste momento importante de efervescência cultural que Uberlândia está passando, atraindo um grande público e formando novos expectadores, espetáculos como este é um convite a voltar ao teatro regularmente e prestigiar a nossa produção local.

Fonte: Jornal CORREIO de Uberlândia, do dia 03/08/2009.
www.correiodeuberlandia.com.br

Grupo Galpão retorna ao teatro de rua.

Depois de uma votação pela internet envolvendo quatro cenas realizadas em março deste ano e dirigidas por integrantes do Grupo, o Galpão retoma suas origens de teatro de rua, com a montagem realizada a partir do texto “Till Eulenspiegel”, de Luís Alberto de Abreu.

Com um palco ao ar livre de dez metros de comprimento por sete de largura, o cenário do espetáculo “Till, a saga de um herói torto” está perfeita em harmonia com o figurino, com materiais recicláveis e objetos rústicos que remetem à Idade Média.

A saga de Till começa quando o Demônio aposta com Deus que se tirasse do homem algumas qualidades, ele cairia em perdição. Deus, aceitando o desafio, resolve trazer ao mundo a alma de Till. Vivendo em uma Alemanha miserável, povoada de personagens grotescos e espertalhões, logo de início o protagonista é abandonado em meio ao frio e à fome e descobre que a única maneira de sobreviver naquele lugar é se tornar ainda mais esperto e enganador. Assim começa uma saga cheia de presepadas e velhacarias.

Com direção de Júlio Maciel, cenário e figurinos de Márcio Medina e direção musical de Ernani Maletta, esta comédia será o quarto espetáculo com direção de integrantes do Grupo. O primeiro foi “Foi por Amor”, com direção de Antonio Edson, em 1987. Dez anos depois, já em 1997, Eduardo Moreira dirigiu “Um Molière Imaginário”. A última peça com direção interna foi “Um Trem chamado desejo”, no ano de 2000, direção de Chico Pelúcio.

Confira o vídeo de um dos ensaios abertos realizados pelo grupo para a preparação do espetáculo, no seguinte endereço:

Till, a saga de um herói torto - Cena 1
http://www.youtube.com/watch?v=8H3t0Z0DZW8

Imagem e Vídeo: Grupo Galpão.

O Teatro Brasileiro veste luto por Augusto Boal.

"O Teatro do Oprimido é o teatro no sentido mais arcaico do termo. Todos os seres humanos são atores - porque atuam - e espectadores - porque observam. Somos todos 'espect-atores'."- Augusto Boal

É uma grande pena iniciar as minhas atividades aqui neste blog já com a notícia da grande perda que o Teatro Brasileiro sofreu neste fim de semana,(02/05/2009) a morte de Augusto Boal, ele sofria de leucemia e estava internado na CTI do Hospital Samaritano, no Rio de Janeiro. No final de março, ainda teve forças para marcar presença na conferência da UNESCO, em Paris, onde recebeu o título de Embaixador Mundial do Teatro. Seu corpo foi cremado na tarde deste domingo (03/05) no Cemitério
do Caju, no Rio.
Boal foi diretor de teatro, dramaturgo e ensaísta brasileiro, uma das grandes figuras do teatro contemporâneo internacional. Fundou o Teatro do Oprimido, que alia o teatro à ação social, suas técnicas e práticas difundiram-se pelo mundo, notadamente nas três últimas décadas do século XX, sendo largamente empregadas não só por aqueles que entendem o teatro como instrumento de emancipação política mas também nas áreas de educação, saúde mental e no sistema prisional.
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HISTÓRICO

Teatro do Oprimido (TO) é um método teatral que reúne Exercícios, Jogos e Técnicas Teatrais elaboradas pelo teatrólogo brasileiro Augusto Boal. Os seus principais objetivos são a democratização dos meios de produção teatrais, o acesso das camadas sociais menos favorecidas e a transformação da realidade através do diálogo (tal como Paulo Freire pensou a educação) e do teatro. Ao mesmo tempo, traz toda uma nova técnica para a preparação do ator que tem grande repercussão mundial.

A sua origem remete ao Brasil das décadas de 60 e 70, mas o termo é citado textualmente pela primeira vez na obra Teatro do oprimido e outras poéticas políticas. Este livro reúne uma série de artigos publicados por Boal entre 1962 e 1973, e pela primeira vez sistematiza o corpo de idéias desse teatrólogo.

Metodologia
O Teatro do Oprimido é um método estético que sistematiza Exercícios, Jogos e Técnicas Teatrais que objetivam a desmecanização física e intelectual de seus praticantes, e a democratização do teatro.

O TO parte do princípio de que a linguagem teatral é a linguagem humana que é usada por todas as pessoas no cotidiano. Sendo assim, todos podem desenvolvê-la e fazer teatro. Desta forma, o TO cria condições práticas para que o oprimido se aproprie dos meios de produzir teatro e assim amplie suas possibilidades de expressão. Além de estabelecer uma comunicação direta, ativa e propositiva entre espectadores e atores.

Dentro do sistema proposto por Boal, o treinamento do ator segue uma série de proposições que podem ser aplicadas em conjunto ou mesmo separadamente.

Cumpre ressaltar que todas as técnicas pressupõem a criação de grupos, onde o Teatro do Oprimido terá sua aplicação.

Teatro Jornal
Consiste na escolha de uma determinada notícia, publicada no meio impresso, que é discutida pelo grupo, procurando deste modo verificar quais os pontos que eventualmente sofreram censura, quais os interesses por detrás da informação ali contida, como as pessoas descreveriam o fato, etc.

As nove técnicas que integram este exercício foram preparadas como forma de conscientização durante a ditadura militar na qual vivia o Brasil, em 1971 - ano de sua elaboração.

Teatro Imagem
Técnica onde se procura transformar em imagens cênicas aquilo que interessa ao grupo, tais como questões sociais (por exemplo: o preconceito racial), sentimentos ou condições que, passando do abstrato ou imaginário para o concreto, pela visualização da apresentação, torna-se real e, portanto, mais assimilável sua compreensão, debate, questionamento.

Teatro Invisível
Teatro invisível é uma forma de encenação na qual apenas os atores sabem que de fato há uma encenação. Aqueles que a presenciam devem considerá-la um acontecimento real, seja ele banal ou extraordinário dentro da expectativa onde ocorre, e por isso é impreciso chamá-los “espectador”, que indica o apreciador de um espetáculo que aceita a ficção como realidade sempre consciente desse jogo de faz-de-conta. Para que seja realizável, o teatro invisível ocorre geralmente em espaços públicos ou de ampla circulação, não em um edifício teatral. O “espectador” torna-se participante inconsciente da representação imprevisível. Como os atores não devem revelar a encenação mesmo após o fim da cena, os que a presenciam acabam por julgar e significar o próprio acontecimento e não a performance de sua encenação, o que nega radicalmente as categorias tradicionais do teatro e dificulta a apreciação crítica, além de impossibilitar qualquer estimativa do número de encenações desse tipo, pois várias ou nenhuma podem ocorrer diariamente conforme a interpretação dos acontecimentos.

Por exemplo, o ator pode simular um mendigo numa rua, verificando as reações dos transeuntes que, então, são levados a reagir espontânea e verdadeiramente ao questionamento que se lhe apresenta.

Teatro-Fórum
É a principal técnica do Teatro do Oprimido. Um espetáculo baseado em fatos reais, no qual personagens oprimidos e opressores entram em conflito, de forma clara e objetiva, na defesa de seus desejos e interesses. Neste confronto, o oprimido fracassa e o público é convidado a entrar em cena, substituir o Protagonista (o oprimido) e buscar alternativas para o problema encenado.

O Teatro-Fórum busca romper os rituais tradicionais do teatro que reduzem o público ao imobilismo, à passividade. A idéia é o estabelecimento de um diálogo entre palco e platéia, onde os espectadores se auto-ativariam ao entrar em cena para transformar a peça. Em função disso, Boal sugere que no Teatro do Oprimido não há espectadores, mas "espect-atores". Este diálogo é mediado por um "coringa", pessoa que atua como interlocutor entre a peça e a platéia.

Arco-Íris do Desejo
“Método Boal de Teatro e Terapia” Um conjunto de técnicas terapêuticas e teatrais, adequadas para a análise de questões interpessoais e/ou individuais.

O teatro torna-se veículo da análise em grupo dos problemas relacionais e pessoais, usado tanto para o conjunto do Teatro do Oprimido e seus propósitos como terapia em instituições para tratamento psiquiátrico.

Teatro Legislativo
No Teatro Legislativo, além das intervenções na ação dramática, os espectadores também são estimulados a escreverem propostas de leis, que visem à resolução do problema apresentado. Essas propostas são recolhidas e entregues à Célula Metabolizadora: equipe formada por um especialista no tema encenado, um assessor legislativo e um advogado com experiência na área, cuja função é fazer a "metabolização" das propostas, ou seja, analisá-las e sistematizá-las, para que sejam novamente encaminhadas à platéia para discussão e votação, ao final da apresentação, quando se instaura a Sessão de Teatro Legislativo.

Através dessa iniciativa, até o momento, já foram produzidas doze leis municipais, um decreto legislativo, uma resolução plenária, duas leis estaduais e dois projetos de lei em tramitação, na cidade e no estado do Rio de Janeiro, todas oriundas da interação de grupos populares com a população. Esses resultados demonstram a viabilidade da democratização da política através do teatro, que estimula o exercício da democracia direta e participativa.

Evolução: a Estética do Oprimido
As iniciativas de Boal e do CTO-Rio, dentro dos propósitos do Teatro do Oprimido vêm sendo ampliadas constantemente. Assim, integrando o Sistema, está sendo desenvolvida a "Estética do Oprimido". Esta tem por fundamento a certeza de que somos todos melhores do que pensamos ser, capazes de fazer mais do que realizamos, porque todo ser humano é expansivo.

A proposta é promover a expansão da vida intelectual e estética de participantes de Grupos Populares de Teatro do Oprimido, evitando que exercitem apenas a função de ator, que representa personagens no palco. Os integrantes desses grupos são estimulados, através de meios estéticos, a expandirem a capacidade de compreensão do mundo e as possibilidades de transmitirem aos demais membros de suas comunidades - bem como aos de outras - os conhecimentos adquiridos, descobertos, inventados ou re-inventados. (2007).

Para saber mais

Referências
BOAL, Augusto - Teatro do oprimido e outras poéticas políticas. Rio de Janeiro. Civilização Brasileira. 2005. Edição revista; (ISBN 85-200-0265-X)
BOAL, Augusto - "Técnicas Latino-Americanas de teatro popular: uma revolução copernicana ao contrário". São Paulo: Hucitec, 1975.
BOAL, Augusto - "Stop: ces’t magique". Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1980.
BOAL, Augusto - "O arco-íris do desejo: método Boal de teatro e terapia". Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1990.
BOAL, Augusto - "Teatro legislativo", Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1996.
BOAL, Augusto - "Jogos para atores e não-atores". Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1998.
BOAL, Augusto - "O teatro como arte marcial". Rio de Janeiro: Garamond, 2003.